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RhinoShield ES x Van Gogh Museum Virtual Tour

January 01, 2023

"¿Qué sería la vida si no tuviéramos valor para intentar nada?" - Vincent van Gogh a su hermano Theo, 5 Diciembre 1881

Bienvenido a la visita virtual del Museo Van Gogh. En este artículo, compartimos nuestra inspiración detrás de nuestra nueva colección de fundas, y le llevamos a descubrir una pequeña parte del mundo y del viaje artístico de Vincent van Gogh.

Con la colección RhinoShield x Van Gogh Museum, queríamos animar a todo el mundo a tener "el valor de intentar cualquier cosa", como hizo Van Gogh. Para transmitir este mensaje, seleccionamos piezas con estilos de pintura distintivos para representar 3 puntos importantes de su carrera.

A través de esta serie, podemos observar cómo se desarrolló su icónico estilo como resultado de sus numerosos ensayos y experimentaciones con diferentes técnicas.

Vida de Vincent van Gogh

Vincent van Gogh (1853-1890) es uno de los artistas holandeses más famosos de todos los tiempos. Sólo estuvo activo como artista durante diez años: desde 1880 hasta su muerte en 1890.

Fruto de su enorme pasión, en esos diez años Van Gogh produjo una obra impresionante: se conservan unas 850 pinturas y más de 1.300 dibujos, así como un gran número de acuarelas, litografías y bocetos en cartas.
TA lo largo de su vida, Van Gogh escribió cientos de cartas a su hermano Theo y a otros familiares y amigos. Para él, estas cartas eran un importante medio de comunicación y una válvula de escape para sus sentimientos. Gran parte de lo que hoy sabemos sobre la vida de Van Gogh, sus antecedentes y lo que leía, veía y pensaba, procede de su propia "biografía": sus cartas.

Como pintor, fue en gran medida autodidacta. Con la ayuda de libros de texto, algunas lecciones en las academias de arte de Bruselas y Amberes, visitas a museos y consejos de amigos artistas, aprendió por sí mismo el oficio. Su introducción a los movimientos artísticos franceses modernos le animó a experimentar. Con el paso de los años, desarrolló su propio estilo de pintura, muy característico, con pinceladas expresivas y colores vivos. Desde entonces, este estilo ha inspirado e influido en muchas generaciones posteriores de artistas.

Tras la muerte de Van Gogh, la obra del artista suscitó un gran interés, y casi la misma fascinación por la dramática historia de su vida: sus infelices romances, su aparente falta de reconocimiento, su enfermedad y su suicidio.

Un artista multifacético

Algunos diseños de la colección incluyen un pequeño retrato o un cuadro representativo junto a la obra principal, para ilustrar el alcance de Van Gogh como artista, y sus constantes esfuerzos por expresarse a sí mismo a través de sus cuadros.

"La gente dice -y estoy dispuesto a creerlo- que es difícil conocerse a uno mismo, pero tampoco es fácil pintarse a sí mismo". - Vincent van Gogh a su hermano Theo, 5 Septiembre 1889

Autorretrato con sombrero gris

Van Gogh pintó este autorretrato en el invierno de 1887-1888, cuando llevaba casi dos años en París. En la obra se aprecia claramente que había estudiado la técnica de los puntillistas y la aplicó a su manera. Colocó cortas franjas de pintura en diferentes direcciones, formando una especie de halo en el contorno de su cabeza. El cuadro es también uno de los experimentos de color más atrevidos de Van Gogh en París. Aplicó colores complementarios uno al lado del otro mediante largas pinceladas: azul y naranja en el fondo, y rojo y verde en la barba y los ojos. Los colores se intensifican mutuamente. El pigmento rojo se ha desvanecido, por lo que las pinceladas moradas son ahora azules, lo que hace que el contraste con el amarillo sea menos potente.

Cortesana (después de Eisen)

Van Gogh se basó en un grabado en madera del artista japonés Keisai Eisen. El grabado había sido reproducido en la portada de la revista "Paris illustré" en 1886. Van Gogh utilizó una cuadrícula para copiar y ampliar la figura japonesa. Utilizó colores brillantes y contornos llamativos, como si se tratara de una xilografía. Podemos distinguir a la mujer como cortesana por su peinado y el cinturón (obi) que lleva, atado en la parte delantera del kimono y no en la trasera. Van Gogh la enmarca con un estanque lleno de nenúfares, tallos de bambú, grullas y ranas. Esta escena tiene un significado oculto: grue (grulla) y grenouille (rana) eran palabras de la jerga francesa para referirse a la prostitución.

Cabeza de un esqueleto con un cigarrillo encendido

Este esqueleto con un cigarrillo encendido en la boca es una broma juvenil. Van Gogh lo pintó a principios de 1886, mientras estudiaba en la academia de arte de Amberes. El cuadro demuestra que dominaba la anatomía. Dibujar esqueletos era un ejercicio habitual en la academia, pero pintarlos no formaba parte del plan de estudios. Debió de hacer este cuadro en otro momento, antes o después de sus clases.

Calavera

Una calavera es monocromática, pero Van Gogh utilizó muchos colores diferentes para pintar ésta. ¿Podría producir una imagen convincente de esta manera? Esta parece haber sido la pregunta que se planteó Van Gogh cuando realizó este estudio a color. Sugirió una superficie brillante en la calavera, haciendo un zigzag con una fuerte carga de pintura blanca sobre ella.

Puente bajo la lluvia (después de Hiroshige)

Van Gogh admiraba mucho las xilografías japonesas, por sus brillantes colores y sus peculiares composiciones. Basó este cuadro de un puente bajo la lluvia en un grabado del famoso artista Utagawa Hiroshige. Sin embargo, Van Gogh hizo los colores más intensos que en el original. Pintó esta obra en un lienzo de tamaño estándar. Quería mantener las proporciones del grabado original, por lo que dejó un borde, que rellenó con caracteres japoneses copiados de otros grabados.

El melocotonero rosado

Van Gogh pintó muchos huertos frutales durante sus primeras semanas en Arles (FR). Existe una versión anterior, casi idéntica, de este cuadro, que Van Gogh había realizado en una sola sesión. "Trabajé en un lienzo nº 20 al aire libre en un huerto - campo de lilas arado, una valla de cañas - dos melocotoneros rosas contra un glorioso cielo azul y blanco. Probablemente el mejor paisaje que he hecho", escribió. Al volver a casa, vio la noticia de la muerte de Anton Mauve (1838-1888), su tío por matrimonio. Mauve era un conocido pintor del que Van Gogh había tomado clases en una ocasión. Dedicó esa primera obra a Mauve y realizó esta nueva versión más tarde para enviársela a Theo.

Girasoles

Los cuadros de Girasoles de Van Gogh se encuentran entre sus más famosos. Los hizo en Arles, en el sur de Francia, en 1888 y 1889. Vincent pintó un total de cinco grandes lienzos con girasoles en un jarrón, con tres tonos de amarillo "y nada más". De este modo, demostró que era posible crear una imagen con numerosas variaciones de un mismo color, sin que perdiera elocuencia. Los cuadros de girasoles tenían un significado especial para Van Gogh: comunicaban "gratitud", según escribió. Colgó los dos primeros en la habitación de su amigo, el pintor Paul Gauguin, que vino a vivir con él durante un tiempo en la Casa Amarilla. Gauguin quedó impresionado por los girasoles, que le parecieron "completamente Vincent". Van Gogh ya había pintado una nueva versión durante la estancia de su amigo y Gauguin le pidió una como regalo, que Vincent se mostró reacio a darle. Sin embargo, más tarde realizó dos copias sueltas, una de las cuales se encuentra en el Museo Van Gogh.

Flor de almendro

Las grandes ramas en flor, como esta, sobre un cielo azul, eran uno de los temas favoritos de Van Gogh. Los almendros florecen a principios de la primavera, lo que los convierte en un símbolo de nueva vida. Van Gogh tomó prestado el tema, los contornos llamativos y la posición del árbol en el plano del cuadro del grabado japonés. El cuadro fue un regalo para su hermano Theo y su cuñada Jo, que acababan de tener un hijo, Vincent Willem. En la carta en la que anunciaba la llegada, Theo escribía: "Como te dijimos, le pondremos tu nombre, y pido el deseo de que sea tan decidido y valiente como tú". No es de extrañar que esta obra sea la que más se acerque al corazón de la familia Van Gogh. Vincent Willem pasó a fundar el Museo Van Gogh.

Lirios

Van Gogh pintó este bodegón en el hospital psiquiátrico de Saint-Rémy. Para él, el cuadro era principalmente un estudio de color. Se propuso conseguir un fuerte contraste cromático. Colocando las flores púrpuras sobre un fondo amarillo, hace que las formas decorativas destaquen aún más. Los lirios eran originalmente de color púrpura. Pero como el pigmento rojo se ha desvanecido, se han vuelto azules. Van Gogh pintó dos cuadros de este ramo. En el otro bodegón contrastó el púrpura y el rosa con el verde.

Trigal con cuervos

Trigal con cuervos es uno de los cuadros más famosos de Van Gogh. A menudo se afirma que fue su última obra. Se dice que el cielo amenazante, los cuervos y el camino sin salida hacen referencia al final de su vida que se aproxima. Pero se trata de un mito persistente. De hecho, realizó varias obras más después de ésta. Van Gogh quería que sus campos de trigo bajo cielos tormentosos expresaran "la tristeza, la extrema soledad", pero al mismo tiempo quería mostrar lo que consideraba "saludable y fortificante del campo". Van Gogh utilizó en este cuadro potentes combinaciones de colores: el azul del cielo contrasta con el amarillo anaranjado del trigo, mientras que el rojo del camino se intensifica con las bandas verdes de la hierba.

El mundo a través de los ojos de Vincent van Gogh

Nuestros nuevos diseños tratan sobre la naturaleza de los paisajes y de la influencia de las xilografías japonesas en el arte de Van Gogh, y también en otros pintores europeos de la época como Claude Monet.

Molinos de viento y asignaciones de Montmartre

En París, Van Gogh pintó con frecuencia los pintorescos molinos de viento de la colina de Montmartre. En su época, Montmartre era todavía una zona parcialmente rural, con huertos y granjas. Van Gogh esperaba que este tema se vendiera bien. Tomó los colores frescos y puros -el blanco de los campos y el azul brillante de los cobertizos- del arte francés contemporáneo. Para representar la luz del sol en este paisaje, Van Gogh utilizó pintura al óleo muy diluida. El resultado es un efecto translúcido y mate. Eligió un lienzo con una forma inusual y alargada. Esto crea un efecto similar al de un objetivo gran angular. Los caminos y los jardines se abren en abanico, atrayendo nuestra mirada hacia el horizonte.

Martín pescador en el agua

Este martín pescador está sentado a la orilla del agua, al acecho de los peces. Van Gogh tenía un martín pescador montado, que se ha conservado. Al comparar este cuadro con el pájaro posado, se observan un par de diferencias. Van Gogh alargó ligeramente la cola en el cuadro, probablemente para lograr un equilibrio con el pico elevado. También le puso patas, ya que está posado en un tallo de caña. El brillante plumaje azul del martín pescador parece un poco más apagado aquí.

Ramo de almendro en flor en un vaso

Una línea roja divide el plano del cuadro. Van Gogh utilizó el mismo rojo para firmar este pequeño cuadro de un ramito de almendro en flor. Los almendros son los primeros en florecer en primavera. Cuando Van Gogh llegó a Arles (Francia), todavía había nieve en el suelo. El 2 de marzo, poco más de una semana después, escribió a su hermano: "Aquí hay una fuerte helada, y en el campo todavía hay nieve; tengo un estudio de un paisaje blanqueado con la ciudad al fondo. Y luego dos pequeños estudios de una rama de un almendro que ya está en flor a pesar de todo'. Después, Van Gogh comenzó a trabajar en una gran serie de cuadros de huertos en flor: almendros, melocotoneros, ciruelos y perales.

Paisaje marino cerca de Les Saintes-Maries-de-la-Mer

Podemos decir que Van Gogh pintó esta vista del mar desde la playa, ya que se han encontrado granos de arena en las capas de pintura. Fue realizada en el pueblo pesquero de Les Saintes-Maries-de-la-Mer, durante un viaje que hizo desde Arles, en el sur de Francia. Además del azul y el blanco que pinceló en el lienzo con trazos gruesos, utilizó el verde y el amarillo para las olas. Aplicó estos colores con una espátula, captando así el efecto de la luz a través de las olas. Van Gogh estaba entusiasmado con los colores del mar Mediterráneo. Escribió que "tiene un color como el de la caballa, es decir, cambiante -no siempre se sabe si es verde o púrpura-, no siempre se sabe si es azul, porque un segundo después, su reflejo cambiante ha adquirido un tono rosa o gris". La firma de color rojo brillante se ha colocado en primer plano: pretendía ser una "nota roja en el verde".

La cosecha

Casi se puede sentir la sequedad y el calor en este cuadro del paisaje llano de los alrededores de Arles, en el sur de Francia. Van Gogh combinó el azul celeste del cielo con los tonos amarillos y verdes de la tierra para captar la atmósfera de un día de verano. Trabajó en los campos de trigo durante días bajo un sol abrasador. Fue un periodo inmensamente productivo, en el que completó diez cuadros y cinco dibujos en poco más de una semana, hasta que una fuerte tormenta puso fin a la temporada de cosecha. Van Gogh quería mostrar la vida campesina y el trabajo en la tierra -un tema recurrente en su arte- y pintó varias etapas de la cosecha. Vemos un campo de trigo a medio segar, escaleras y varios carros. Un segador trabaja en el fondo, por lo que tituló la obra La moisson o "La cosecha". Van Gogh lo consideraba uno de sus cuadros más logrados, y escribió a su hermano Theo que "el lienzo mata absolutamente todo lo demás".

Barcos de pesca en la playa en Les Saintes-Maries-de-la-Mer

Can you see why these fishermen's boats appear slightly unreal? Compared to the irregular surface of the sandy beach, they've been painted in an overly two-dimensional way. The boats are made up of areas of uniform colour within strong outlines. Furthermore, the boats don't cast shadows on the beach. These stylistic elements were familiar to Van Gogh from his collection of Japanese prints. Van Gogh would have preferred to make this painting on the beach, but he couldn't, because the fishermen put out to sea very early every morning. He did draw the boats there, however, and later made this painting at home.

La Casa Amarilla (La Calle)

En mayo de 1888, Van Gogh alquiló cuatro habitaciones en una casa de la plaza Lamartine en Arles (sur de Francia). Los postigos verdes de este cuadro de la plaza muestran el lugar donde vivía. Poco después de mudarse a la "Casa Amarilla", envió a Theo una descripción y un boceto de su cuadro sobre ella: "Es tremendo, estas casas amarillas a la luz del sol y luego la incomparable frescura del azul". La obra, que el propio Van Gogh llamó "La calle", recoge el entorno inmediato del artista: comía a menudo en el restaurante de la izquierda, y la casa de su amigo, el cartero Joseph Roulin, se encontraba justo después del segundo puente ferroviario. Vincent había encontrado por fin un lugar en la Casa Amarilla donde no sólo podía pintar, sino también hacer que sus amigos vinieran a quedarse. Su plan era convertir el edificio amarillo de la esquina en una casa de artistas, donde pintores afines pudieran vivir y trabajar juntos.

Boceto de Noche estrellada sobre el Ródano

Se trata de un boceto del famoso cuadro "Noche estrellada sobre el Ródano", que se adjuntó a una carta de Vincent van Gogh a Eugène Boch y que originalmente era un fragmento tachado y sin enviar de una carta escrita por Van Gogh a Gauguin.

Las afueras de Koshigaya en la provincia de Musashi, de la serie Treinta y seis vistas del monte Fuji

Treinta y seis vistas del monte Fuji (en japonés: 富士三十六景 Fuji Sanjū-Rokkei) es el título de dos series de xilografías del artista japonés del ukiyo-e Hiroshige, que representan el monte Fuji en diferentes estaciones y condiciones climáticas desde una variedad de lugares y distancias diferentes. La serie de 1852, publicada por Sanoya Kihei, está en orientación horizontal utilizando el formato chūban, mientras que la serie de 1858 está en formato ōban de retrato y fue publicada por Tsutaya Kichizō. El mismo tema había sido tratado anteriormente por Hokusai en dos de sus propias series, Treinta y seis vistas del monte Fuji, producidas entre c. 1830 y 1832, y Cien vistas del monte Fuji, publicadas en tres volúmenes entre 1834 y 1849. Este grabado muestra el monte Fuji desde la provincia de Musashi, en la actual ciudad de Kanagawa, y forma parte de la segunda serie de 1858.

Cerezos en flor

Van Gogh se inspiró en este tipo de grabados japoneses, llamados kachōga. Los artistas japoneses solían tomar sus temas de la naturaleza, como en este grabado de una serie con flores y pájaros. Tradicionalmente se representaban juntos, a veces con un poema. En Japón, los vibrantes grabados se utilizaban en interiores: se pegaban en las paredes o en biombos. Van Gogh también colgaba grabados japoneses en su pared. Le encantaba la atención al detalle, como se puede ver también en su propia obra.

Campos de tulipanes cerca de La Haya

(Esta obra forma parte de la Colección de Bienes de Arte de los Países Bajos (Nederlands Kunstbezit-collectie) que consiste en obras recuperadas de Alemania después de la Segunda Guerra Mundial y mantenidas en fideicomiso por el Estado holandés. La obra se encuentra en préstamo en el Museo Van Gogh) Claude Monet quedó enormemente impresionado por los campos de bulbos de vivos colores de Holanda. A principios de la primavera de 1886, escribió a un amigo que el espectáculo era "imposible de transmitir con nuestros pobres colores". Monet ya había estado en Holanda, pero era la primera vez que pintaba el mar de flores. De vuelta a París, vendió el cuadro a través de los marchantes de arte Boussod, Valadon & Cie, donde trabajaba Theo van Gogh. Es muy posible que su hermano Vincent lo viera allí. Poco a poco, Vincent empezó a admirar las rápidas pinceladas y los brillantes colores de Monet.

El Palacio de Justicia, visto desde el Puente Notre-Dame

Auguste Lepère nació y trabajó en París y en 1889, cuando se realizó "El Palacio de Justicia", Lepère se había convertido en uno de los grabadores más reconocidos de su generación. Con sus colores sutiles, mezclados y líquidos, impresos sobre un papel liso y brillante, esta xilografía muestra el dominio de Auguste Lepère de las técnicas derivadas de las xilografías japonesas, que fueron enormemente populares en Francia a finales del siglo XIX. Recuerda especialmente a la obra de Utagawa Hiroshige, cuyas composiciones atmosféricas a menudo incluían figuras cruzando puentes. Esta influencia oriental fue retomada por Vincent van Gogh y Claude Monet, entre otros.

Inspirando a las nuevas generaciones

Es un honor para nosotros tener la oportunidad de ayudar a que las obras de Van Gogh sean más accesibles a un público más amplio de la forma que mejor conocemos: protegidas en el marco más resistente, presentadas fielmente con la máxima calidad de impresión y color, y disponibles en la palma de sus manos. Esperamos que esta colección inspire para intentar aprender nuevas habilidades, descubrir una nueva afición y tener en cuenta que no hay fracasos, sino experiencias valiosas.

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Obtén más información sobre la vida y las obras de Van Gogh en la página oficial del Museo Van Gogh aquí.